CG-Скульптура VS Классическая школа


Класс скульптуры

Скульптура — вид изобразительного искусства.

Свое название получила от латинского слова «скульпо», означающего «вырезать», «высекать».

То есть технически скульптурное изображение создается путем удаления лишней части пластического материала, также способом прибавления начальному объему небольших кусочков того же материала.

В отличие от живописи и графики, где объемная форма живей на картинной плоскости в воображаемом пространстве, скульптура реально объемна, существует в реальном пространстве.

Занятия скульптурой развивают у учащихся объемно-пространственное мышление и чувство формы (ее конструктивные и индивидуальные особенности), а так же учат их мыслить пластическими образами. Они учатся лепить с натуры и по памяти, изучают характер и пропорции предметов, животных, человека, приучаются предавать свои творческие замыслы в пластическом материале.

Занятия скульптурой развивают чувство материала, объема, тренируют способность к тонкой ручной работе, воспитывают эстетический и художественный вкус.

14 современных скульпторов

Look At Me продолжает рассказывать о самых интересных новых лицах в мире современного искусства и дизайна. В этой подборке — 14 скульпторов, занимающихся современной скульптурой, инсталляциями и ассамбляжем: среди них есть и совсем молодые, и уже известные художники, сделавшие в последнее время новые серии своих работ.

Bruno Walpoth

Итальянский скульптор Бруно Валпот работает с несколько непривычными для классической скульптуры материалами — деревом (лайм и орех) и свинцом. Герои его работ — грустные, трогательные и кажущиеся одинокими люди. Все скульптуры Валпот делает в натуральную величину, тщательно прорабатывая анатомию тел — мышцы, суставы, кости.

Dario Tironi

Итальянский художник Дарио Тирони крайне разносторонен: одинаково интересными и самобытными у него получаются скульптуры, фотографии, инсталляции и графика. Наибольший резонанс среди его скульптур получили фигуры людей и собак, сделанные из подручного материала и даже мусора: в ход идут пластиковые бутылки, игрушки лего, аудиокассеты и упаковки из-под таблеток. Насколько мир потребления связан с миром природы? На этот вопрос Тирони пытается ответить в своих работах.

Michael DeLucia

Майкл Делучиа родился в Нью-Йорке, где он и работает в настоящее время. После окончания в 2004 году Royal College of Art он выставляется практически ежегодно. Известность в Нью-Йорке, Париже и Берлине скульптору принесли его работы из будничных объектов. Делучиа работает с привычными предметами массового потребления и городской жизни, создавая из них абстрактные скульптуры, уверенно сочетая в них реди-мэйд и минимализм.

Antony Cragg

Энтони Крэгг родом из Ливерпуля успел за свою жизнь стать профессором в престижной L’Ecole des Beaux Arts, получить Императорскую премию за скульптуры и стать ректором в Дюссельдорфской Академии художеств. На протяжении его карьеры встречаются работы, выполненные в совершенно разных стилях: то это ассамбляжи из грубых досок и чемоданов, то будто расплавившиеся бюсты из пластмассы реально существующих людей.

Caroline Rothwell

Англичанка Каролин Ротвэлл живёт между Лондоном и Сиднеем, вдохновляясь у природы южного континента сюжетами для своих скульптур. Странные асимметричные скульптуры Ротвэлл — гибриды животных и растений: собаки, сросшиеся с деревьями, скелеты людей, сливающиеся с природой, лошади, рассеченные геометрическими фигурами. Многие свои работы Ротвэлл размещает на природе и в парках: так искусственность её объектов противопоставляется гармонии привычных природных ландшафтов.


Michael Beitz

Скульптуры американца Майкла Бейтца могут считаться одними из самых странных и забавных в современном искусстве. И всё благодаря тому, что он подвергает привычные анатомические и физические формы странным изменениям: на месте носа вытягивает острый треугольник, а стол изгибает бесконечной кривой, за которой не видно собеседника.

Wyne Veen

Не ограничивая себя определённым сюжетом, Вайн Вин, фотограф из Амстердама, снимает созданные своими руками арт-объекты, в которых часто фигурируют цветы, косметика, еда и товары потребления. «Центральная тема моих работ — бесполезность. Я чувствую, что жизнь смешна и нелепа», — говорит дизайнер в одном из интервью. Её работы — это демонстрация тех продуктов и вещей, которые символизируют ценности современного общества, и забавляют совершенной абсурдностью их сочетаний.

Nick van Woert

Американский скульптор Ник ван Воерт для своего творчества использует как классические бюсты, которые он впоследствие изменяет до неузнаваемости, так и современные материалы — фольгу, жидкий пластик, клей, металл — синтезируя их в разноцветные структуры, похожие на молекулы. Сочетание гипса и разноцветного пластика и произвольная игра с формами делают Ника одним из самых незаурядных скульпторов нашего времени.

Graham Caldwell

Из стекла и зеркал Грэхэм Колдвэлл, американский скульптор, создаёт абстрактные арт-объекты, напоминающие гигантские капли или сложные молекулы ДНК. Его работа — трудоемкий процесс, в котором сочетается стеклодувное ремесло и приемы современной абстрактной скульптуры. Главная визуальная особенность этих работ в том, что, как любые работы из стекла, скульптуры Колдвэлла реагируют на перемену освещения и совершенно по-разному смотрятся при перемещении в пространстве.

Tricia Cline

Триша Кляйн родом из Калифорнии, и её работы очевидно тяготеют к поп-арту, который до сих пор имеет большую школу на Западном побережье США. Скульптор нигде не училась и начала делать скульптуры самостоятельно, ориентируясь на классические образцы. Привычные изображения людей и животных удивляют цветовыми решениями, эротическими мотивами и полусказочными сюжетами: антропоморфные животные и сюрреалистические композиции из полуобнаженных девушек и диких зверей отсылают к сказкам Гримм и древнегреческим мифам.

Misako Inaoka

Мисако Инаока родилась в Японии, училась на дизайнера в Риме, а теперь живёт и работает в Сан-Франциско. «Мне интересно изучать границы между естественным и искусственно созданным. Я внимательно изучаю окружающую среду, пытаясь отыскать спрятанную красоту, а затем воссоздаю её в своих скульптурах.» Её скульптуры — это несколько природных мотивов от разных организмов, произвольно соединенные в пределах одного фантастического существа: для многих из своих скульптур Мисако самостоятельно ищет растения, ракушки или ветки.

Myeongbeom Kim

Мьйонгбеом Ким, скульптор из Южной Кореи, — яркий представитель сюрреализма в современном искусстве. В своих работах Ким самым неожиданным образом объединяет элементы живой природы и вещи, созданные руками человека: в его работах чувствуется влияние Дали и Магритта с их тягой соединить будничное и фантастическое.

Jim Lambie

Шотландский художник Джим Лэмби, работающий с оптическими иллюзиями, в 2005 году вошёл в шорт-лист престижной британской Премии Тернера со своей инсталляцией «Психическая устрица». В свободное время от занятий искусством, Джим занимается музыкой и играет как диджей. Музыкальное влияние ощущается и в его работе: Лэмби часто создает цветные скульптурные инсталляции из объектов поп-культуры — клубных постеров и обложек дисков.

Gerda Steiner & Jorg Lezinger

Герда Штайнер и Йорг Лезингер — успешные и всемирно признанные швейцарские художники. Их масштабные работы впечатляют зрителей в первую очередь мастерством увлечь и создать атмосферное фантазийное пространство, так не похожее на то, что обычно приходится видеть вокруг себя. Инсталляции швейцарцев занимаются комнаты и целые залы, сочетая в себе скульптуру, графический дизайн, интерьерный декор и ассамбляж.

Скульптура Древней Греции: фото


Искусство Древней Греции стало той опорой и основой, на которой выросла вся европейская цивилизация. Скульптура Древней Греции — тема особая. Без античной скульптуры не было бы блестящих шедевров Возрождения, да и дальнейшее развитие этого искусства трудно себе представить. В истории развития греческой античной скульптуры можно выделить три больших этапа: архаический, классический и эллинистический. В каждом есть нечто важное и особенное. Рассмотрим каждый из них.

Архаика

К этому периоду относятся скульптуры, созданные в период с 7 века до нашей эры до начала 5 века до нашей эры. Эпоха подарила нам фигуры обнаженных воинов-юношей (куросы), а также множество женских фигур в одежде (коры). Для архаических скульптур характерна некоторая схематичность, непропорциональность. С другой стороны, каждая работа скульптора притягательна своей простотой и сдержанной эмоциональностью. Для фигур этой эпохи характерна полуулыбка, придающая работам некоторую загадочность и глубину.

«Богиня с гранатом», которая хранится в Берлинском государственном музее, одна из наиболее сохранившихся архаических скульптур. При внешней грубоватости и «неправильных» пропорциях, внимание зрителя привлекают руки скульптуры, выполненные автором блестяще. Выразительный жест скульптуры делает ее динамичной и особенно выразительной.

«Курос из Пирея», украшающий коллекцию Афинского музея, представляет собой позднее, а значит более совершенное произведение древнего скульптора. Перед зрителем мощный молодой воин. Легкий наклон головы и жесты рук говорят о мирной беседе, которую ведет герой. Нарушенные пропорции уже не так бросаются в глаза. А черты лица не так обобщены, как у ранних скульптур архаического периода.

Классика

Скульптуры именно этой эпохи большинство ассоциирует с античным пластическим искусством.

В эпоху классики были созданы такие известные скульптуры, как Афина Парфенос, Зевс Олимпийский, Дискобол, Дорифор и многие другие. История сохранила для потомков имена выдающихся скульпторов эпохи: Поликлет, Фидий, Мирон, Скопас, Пракситель и многие другие.

Шедевры классической Греции отличаются гармонией, идеальными пропорциями (что говорит об отличных знаниях анатомии человека), а также внутренним содержанием и динамикой.

Именно классический период характерен появлением первых обнаженных женских фигур (Раненая Амазонка, Афродита Книдская), которые дают представление об идеале женской красоты расцвета античности.

Эллинизм

Поздняя греческая античность характеризуется сильным восточным влиянием на все искусство в целом и на скульптуру в частности. Появляются сложные ракурсы, изысканные драпировки, многочисленные детали.

В спокойствие и величественность классики проникает восточная эмоциональность и темперамент.

Афродита Киренская, украшающая римский музей Терм, полна чувственности, даже некоторого кокетства.

Скульптура классической эпохи: красота без прихотливости и мудрость без изнеженности

Победа над могущественной Персидской империей в V в. до н. э. сплотила греческие полисы и дала сильнейший импульс развитию всех отраслей, начиная с экономики и заканчивая творчеством. Складывается впечатление, что греческие мастера того времени постигали некие сакральные тайны бытия, столь впечатляющие творения у них получались. Характеризовать произведения изобразительного искусства той эпохи можно как чувственные, естественные, непосредственные, рациональные. Особенно ярко это выражалось в скульптуре.

Сегодня скульптура ассоциируется с музейными экспозициями, но в то время герои мифов и легенд из мрамора и бронзы украшали улицы греческих полисов, храмы, парки и площади. Это было естественное воплощение красоты, доступное каждому для лицезрения. Вероятно, именно поэтому до наших времен оригинальные древнегреческие скульптуры дошли в основном в виде обломков и фрагментов — греки и представить не могли, что творения их возвышенного сознания необходимо прятать и оберегать от сознания варварского.

Многие классические статуи известны нам благодаря римским копиям. Рим вообще являлся преемником греческой культуры, но копии зачастую просто не могли передать красоты оригиналов, передавая лишь сюжет. Разница ощущалась не столько в отсутствии мастерства у подражателей, сколько в духе самой эпохи. Так, греческие статуи был из другого мрамора — желтоватого, наполненного светом и теплыми тонами. Это достигалось благодаря натиранию мрамора воском.

Цукерберг рекомендует:  Инструментарий для всех стадий развития веб-разработчика

Излюбленные мотивы древнегреческих скульпторов — свершения мифических героев, битвы олимпийских богов с Титанами, спортивные состязания. Благодаря специфике ваяемого греческие скульпторы научились мастерски воссоздавать человеческое тело в движении, изображая сложные позы.


Новатором тут считается аттический скульптор Мирон и его «Дискобол». Атлет размахивается, готовясь запустить диск, он наклонен и напряжен, еще мгновение — бросок будет совершен и атлет расслабит члены. Но Мирон запечатлел именно эту секунду, когда атлет замер в положении, казалось бы, неустойчивом но, в то же время, находящимся в равновесии.

Греческий подлинник неизвестного автора, предположительно Сотадеса, сохранившийся относительно хорошо — бронзовая статуя «Возничий», обнаруженная в Дельфах. Специалисты относят ее к периоду строгого стиля (ок. 470 г. до н. э.). Посмотрите на этого юношу. Он управляет четверкой коней, но при этом абсолютно спокоен. Он стоит без обуви, каннелюры дорических колонн мерещатся в складках его хитона, а волосы стянуты на лбу посеребренной повязкой. Всмотритесь в его глаза — они как живые, полны энергии. Что характерно для всех выдающихся скульптур, «Возничий», при взгляде с разных ракурсов, «открывает» созерцателю различные свои грани. Одна эта бронзовая фигура, ее крепкая, литая пластика, позволяет почувствовать — что именно древние греки понимали под человеческим достоинством.

Эллины преклонялись перед красотой и мудростью устройства живого тела. Они понимали язык тела — как язык души. В результате греческие мастера овладели искусством передачи «типовой» психологии, выражая через обобщенные человеческие типы богатейшую гамму душевных переживаний. По этой же причине искусство портрета в Древней Греции было развито относительно слабо — все тело выражало настроение и суть изображаемого героя.

В период с конца VI по IIV вв. до н. э., творцы стремились выразить духовную мощь и бодрость духа, но со временем акценты сместились к излишнему пафосу, драматичности и лирической созерцательности. Скульпторов привлекали прелести детства, сила зрелости, старость с ее мудростью и женственность — ее обаяние, соблазн и целомудрие. Скопас, Пракситель и Лисипп — величайшие греческие скульпторы эпохи поздней классики. Они оказали такое влияние на развитие античного искусства, которое сравнимо по значимости со скульптурами Парфенона.

Пиком классической скульптуры Древней Греции, по общему мнению, является «Аполлон Бельведерский», авторства Леохара. Эта статуя синонимична эстетическому совершенству. «Аполлон Бельведерский» действительно поражает своими пластическими достоинствами: в фигуре и поступи повелителя муз сочетаются сила и грация, энергия и легкость; шагая по земле, он вместе с тем парит над землей. Чтобы достигнуть такого эффекта, требовалось исключительное мастерство ваятеля — беда лишь в том, что расчет на эффект слишком очевиден.

Древние Греки оставили после себя великое культурное наследие, которое может считаться достойным ориентиром для творцов дня сегодняшнего, вновь выходящих из варварского состояния.

[Статья] Какое направление CGI более востребовано?

Вопрос задан нашим подписчиком и для начинающих специалистов, будет полезным. Конечно, можно заранее узнать кто будет всегда востребован, а кто нет и сразу бить в нужную точку.

В этой статье я не буду делать крайне конкретные выводы (по крайней мере сейчас не планирую этого делать). Просто опишу свои наблюдения по этому поводу. Статья больше касается рынка СНГ, так как в основном тут я работал и могу изложить свое виденье.

Начнем с того, что сейчас можно выделить такие направления: дженералист (может делать большую часть из того, что будет ниже. Частым заблуждением есть то, что он может делать ВСЕ на качественном уровне.), моделлер (создание геометрии, часто текстурирование), 3d аниматор, лайтер или визуализатор, композер (часто + мейт пеинтер), vfx художник.

Дальше, давайте подумаем. Допустим есть рекламный ролик на 30 секунд (например, 15 шотов). В котором все шоты на половину cg (есть съемочный материал и есть 3d графика). В начале производства моделлер делает 3d модели и текстурит их. Это делается один раз для всего ролика (для всех 15 шотов). На этом работа моделлера заканчивается. Дальше идет анимация. Она может быть персонажная или техническая. Настраивается для каждого шота отдельно. Часто в рекламных проектах делается довольно быстро. Следующий этап – настройка освещения, шейдеров и рендеринг. Делается для группы шотов или для каждого шота отдельно. На этом этапе время может сожрать рендертайм, особенно когда нет в наличии рендерферм. Последний этап – композитинг или сборка. В каждом шоте все индивидуально. Так же комперы часто готовят съемочный материал на старте – делают разные затирки, зачистки, работа с косяками съемочной группы. Как видите в производстве рекламных проектов нагрузка распределена приблизительно равномерно. На практике больше работы попадает на плечи комперов, так как они практически в день дедлайна все быстро собирают да еще и красиво, да еще и косяки предыдущих этапов правят, если таковы были. В целом по студиях СНГ такие проекты часто делаются дженералистами, особенно, если ролик не сложный. По этому именно в рекламе – дженералисты более всего востребованы.

Дальше рассмотрим более серьезный проект – художественный фильм. Количество шотов с компьютерной графикой может быть до двух тысяч и больше. Задачи здесь разные. В кино проектах, скажу сразу, чуть ли не половина работы ложится на плечи комперов. Тут охватывается практически весь спектр применения их навыков – от простых затирок до сложного стерео композитинга включая технологии глубокого композа (deep compositing). Работать приходится с каждым шотом отдельно. Что-то оптимизировать и группировать удается не всегда. Дальше хороший кусок работы падает на плечи аниматоров и лайтеров. Так как им так же приходится работать над каждым шотом отдельно. Лайтеры часто создают заготовки для каждых локаций отдельно. Моделлеры находятся в самом начале производства и делают работу один раз для всех вместе шотов. Например, один раз делается персонаж, или автомобиль, которые потом используются во всем кино-проекте. Дженералистов здесь меньше чем в рекламных проектах. Как видите, смещение объемов работы идет в сторону композитинга и лайтинга.

Следующими, довольно трудоемкими, являются мультфильмы. Тут интереснее – так как все шоты сделаны средствами компьютерной графики (full cgi). Здесь распределение работы немного другое. На начальном этапе производства активно работают моделлеры. Они создают персонажей, локации. Их довольно много. Так как все – компьютерное. Часто они же занимаются текстурингом. Дальше вступают в работу аниматоры. Объем их работы увеличивается, так как приходится работать над каждым шотом отдельно. Дальше идет настройка света, рендеринг. Композитинга как такового тут практически нет. Часто лайтеры сами правят свои шоты, которые они рендерят. Смещение объемов работы идет в сторону анимации и лайтинга.

Архитектурная визуализация и архитектурная анимация. В этой области часто весь проект делается одним человеком. С увеличением объема готовых 3d моделей в просторах интернета моделировать приходится реже. Тут основная задача получить сочную картинку: правильно выставить свет, настроить материалы. Под конец делают красивую постобработку.

И так, у вас может сложиться мнение что меньше всего работы в 3d моделлеров. Да, в перечисленных выше направлениях им действительно легче в плане объемов работ. Но не забывайте о индустрии Game Development (разработка игр). Моделлеры и текстурщики там заняты прилично.

Следующая категория, которую я не затронул – это vfx художники. Зачастую делают не простые симуляции. Задач под них может быть меньше. Но заменить хорошего vfx художника – сложно. Так же толковым vfx специалистам проще выходить на зарубежный рынок. По этому, если вам это направление нравится – дерзайте. Но не забудьте полить ваши знания опытом на реальных проектах.

Так же в нашей сфере, как не крути, востребованы талантливые художники с чувством цвета, композиции. Все-таки главное – красивая картинка. Если это вам не дано в качестве таланта, оно более – менее приходит с опытом.

В конце давайте сделаем вывод. Спрос рождает предложение. Смотрите какой продукт делается в той отрасли, куда вы идете. А продукт уже вам подскажет, кого компании всегда будет не хватать.

Если говорить о СНГ, у нас больше всего востребованы толковые дженералисты. То есть человек-оркестр, который может чуть больше чем просто моделить, например. Но не спешите стать сразу дженералистом с нуля. Начните с простого узкого направления и уже потом накладывайте слоями опыт и добавляйте новые навыки один за другим. Если копнуть еще глубже – то востребованы умные художники, которые на ходу могут адаптироваться к поставленной задаче: быстро выучить новый софт, найти решение “невыполнимой” задаче. Не бойтесь браться за невыполнимые (на первый взгляд) задачи. Именно решая их – вы растете. Все остальное (просмотры туторов, общение в чатах и тп) – второстепенно.


От себя рекомендовал бы поработать во всех ветках нашей большой индустрии: арх. виз, поспродашн, кинопроизводство, разработка игр. Знания, навыки и опыт, которые вы наберете, как пазлы сложатся и дадут эффект синергии.

И помните, ваша востребованность и доходы будут пропорциональны вашему профессионализму. Окружите себя профессионалами и не заметите, как сами ими станете.

Направления CG и профессии в игровой CG

Я -3D моделлер (3D artist). Я выбрал направление игрового моделирования. Но существует гораздо больше направлений, в которых можно развиваться 3-дэшнику. Такие как:

1. Моделирование интерьеров и экстерьеров. Это дизайн квартир и зданий. Сейчас вовсю применяется 3D графика для визуализации дизайна будущей квартиры. С такими навыками можно очень неплохо зарабатывать, устроившись в соответствующую компанию)

2. Производственное моделирование. Например моделирование ювелирных украшений, моделирование различных изделий под токарный станок (не знаю как правильно он называется), моделирование под 3D печать.

3. Моушн дизайн и реклама. Видеоролики и баннерная реклама) большинство красивых артов сделано в cg. В общем все, что связано с видеоконтентом и рекламой)

4. Моделирование в кино. Сейчас фильмы очень насыщены cg. Человек-паук перелетающий через вертолет и все в этом духе. Очень обширная сфера. Требует очень хорошего скилла и ресурсов)

5. Моделирование в мультфильмах. И это не обязательно «Миньены». Даже Лунтика кто-то создавал. Там по-большей степени требуются аниматоры. Очень интересная для меня сфера)

6.И наконец игрвое моделирование. Давайте разберемся с ним подробнее) Хочу охватить весь визуальный контент в играх. Начнем с самого начала. Какая бы игра не была, она начинается с концеп-арта.

Первая профессия – Концепт артист.

Концепт-артисты могут быть по персонажам, окружению, предметам (пропсам) и технике. На эти группы будут делиться и другие профессии. Задача концепт-артиста создать гармоничный мир. Придумать его. На мой взгляд это самое сложное)

Когда все концепты готовы начинает работать 3D артист (моделлер). Хороший моделлер в той или иной степени умеет делать все) или должен уметь) Но вообще есть несколько областей, в которую может развиваться моделлер:

— Скульптинг. Создает и полностью прорабатывает высокополигональную модель. Все складочки иморщинки, если дело касается персонажа)

— Текстуринг. Можно полностью от руки рисовать, можно в substance painter материалы накидывать. Зависит от проекта. UV-развертка тоже в его компетенции.

Цукерберг рекомендует:  Стажер - Как найти работу программистом на Python в 14 лет

— Ретопология. Это когда создают низкополигональную модель по образу и подобию высокополигональной. Или просто исправляют сетку на правильную. Снимают различные карты освещения, нормалей и т.д. с хайполи модели и накладывают на лоу поли модель.

— Обычный моделлер)) Можно прям в лоуполи моделить. Создает модель без скульптинга. Как правило твердые поверхности. Не органику. Дальше работает текстурщик)

Риггер. Это когда на модель навешивают кости . Узкоспециализированная профессия. Кости (или риг) по принципу действия похож на человеческие) Часть модели следует за изменениями соответствующей кости, так и анимируют.

Аниматор. Ну это яснопонятно. Анимация моделей)


VFX-художник. Человек, который занимается эффектами. Взрывы, огонь, дождь и др. – это по их части. Интересная профессия, изучением которой я как-нибудь займусь)

Иконщик (интерфейс-художник). Все иконки, менюшнки и т.д. рисуется этим человеком. Дизайн тут преобладает.

Шейдер-художник (постобработка). Все, что касается различных шейдеров в самом движке, которые применяют, чтобы сделать игру красивой)

Надеюсь, этот пост поможет вам определиться с направлением своего развития)
Что касается самых востребованных профессий, то все говорят, что аниматоры, иконщики и художники по спецэффектам требуются в большей степени) Ну а вообще каждая профессия интересная в своем ключе) Для себя я решил, что дополнительно буду изучать анимацию и эффекты. Потому что нравится)
Больше контента: https://vk.com/monti_blog
Всем синичек и белочек)

Найдены дубликаты

Людей, занимающихся отдельно ригом, опять же, никогда не видел — этим занимается аниматор хотя бы потому, что ему потом всё это говно анимировать и у всех свои взгляды на удобство рига и анимации(кто-то все кости вручную тягает, а кто-то напишет несколько скриптов, которые автоматизируют половину процесса).
Шейдер-художник — вообще непонятно что такое. Это называется либо техартист, либо рендер-программист. При этом техартист с шейдерами обычно работает только на уровне прототипа, а потом для написания нормального кода всё равно передаёт рендер-программистам. Так что конкретно со специальностью «художник» тут весьма опосредованная связь. Очень часто шейдерами занимаются VFX-художники, т.к. им чаще всех требуется какой-то нестандартный шейдер для создания нужного эффекта. Постэффекты из той же оперы(и не надо сваливать в кучу шейдеры и постэффекты).
Про востребованность могу дополнить ещё, что везде ищут толковых техартистов, и навыки в этой сфере очень приветствуются.

Норм пост, но пока еще можешь редактировать его, поменяй все местами. Сначала текст — потом картинка, иначе тебя сожрут за это. Я лично готов за это убивать

Посты14 современных скульпторов

Молодые художники, воплощающие свои идеи в 3D, и известные скульпторы со своими новыми работами

Look At Me продолжает рассказывать о самых интересных новых лицах в мире современного искусства и дизайна. В этой подборке — 14 скульпторов, занимающихся современной скульптурой, инсталляциями и ассамбляжем: среди них есть и совсем молодые, и уже известные художники, сделавшие в последнее время новые серии своих работ.

Bruno Walpoth

Итальянский скульптор Бруно Валпот работает с несколько непривычными для классической скульптуры материалами — деревом (лайм и орех) и свинцом. Герои его работ — грустные, трогательные и кажущиеся одинокими люди. Все скульптуры Валпот делает в натуральную величину, тщательно прорабатывая анатомию тел — мышцы, суставы, кости.

Dario Tironi

Итальянский художник Дарио Тирони крайне разносторонен: одинаково интересными и самобытными у него получаются скульптуры, фотографии, инсталляции и графика. Наибольший резонанс среди его скульптур получили фигуры людей и собак, сделанные из подручного материала и даже мусора: в ход идут пластиковые бутылки, игрушки лего, аудиокассеты и упаковки из-под таблеток. Насколько мир потребления связан с миром природы? На этот вопрос Тирони пытается ответить в своих работах.

Michael DeLucia

Майкл Делучиа родился в Нью-Йорке, где он и работает в настоящее время. После окончания в 2004 году Royal College of Art он выставляется практически ежегодно. Известность в Нью-Йорке, Париже и Берлине скульптору принесли его работы из будничных объектов. Делучиа работает с привычными предметами массового потребления и городской жизни, создавая из них абстрактные скульптуры, уверенно сочетая в них реди-мэйд и минимализм.

Antony Cragg

Энтони Крэгг родом из Ливерпуля успел за свою жизнь стать профессором в престижной L’Ecole des Beaux Arts, получить Императорскую премию за скульптуры и стать ректором в Дюссельдорфской Академии художеств. На протяжении его карьеры встречаются работы, выполненные в совершенно разных стилях: то это ассамбляжи из грубых досок и чемоданов, то будто расплавившиеся бюсты из пластмассы реально существующих людей.


Caroline Rothwell

Англичанка Каролин Ротвэлл живёт между Лондоном и Сиднеем, вдохновляясь у природы южного континента сюжетами для своих скульптур. Странные асимметричные скульптуры Ротвэлл — гибриды животных и растений: собаки, сросшиеся с деревьями, скелеты людей, сливающиеся с природой, лошади, рассеченные геометрическими фигурами. Многие свои работы Ротвэлл размещает на природе и в парках: так искусственность её объектов противопоставляется гармонии привычных природных ландшафтов.

Michael Beitz

Скульптуры американца Майкла Бейтца могут считаться одними из самых странных и забавных в современном искусстве. И всё благодаря тому, что он подвергает привычные анатомические и физические формы странным изменениям: на месте носа вытягивает острый треугольник, а стол изгибает бесконечной кривой, за которой не видно собеседника.

Wyne Veen

Не ограничивая себя определённым сюжетом, Вайн Вин, фотограф из Амстердама, снимает созданные своими руками арт-объекты, в которых часто фигурируют цветы, косметика, еда и товары потребления. «Центральная тема моих работ — бесполезность. Я чувствую, что жизнь смешна и нелепа», — говорит дизайнер в одном из интервью. Её работы — это демонстрация тех продуктов и вещей, которые символизируют ценности современного общества, и забавляют совершенной абсурдностью их сочетаний.

Nick van Woert

Американский скульптор Ник ван Воерт для своего творчества использует как классические бюсты, которые он впоследствие изменяет до неузнаваемости, так и современные материалы — фольгу, жидкий пластик, клей, металл — синтезируя их в разноцветные структуры, похожие на молекулы. Сочетание гипса и разноцветного пластика и произвольная игра с формами делают Ника одним из самых незаурядных скульпторов нашего времени.

Graham Caldwell

Из стекла и зеркал Грэхэм Колдвэлл, американский скульптор, создаёт абстрактные арт-объекты, напоминающие гигантские капли или сложные молекулы ДНК. Его работа — трудоемкий процесс, в котором сочетается стеклодувное ремесло и приемы современной абстрактной скульптуры. Главная визуальная особенность этих работ в том, что, как любые работы из стекла, скульптуры Колдвэлла реагируют на перемену освещения и совершенно по-разному смотрятся при перемещении в пространстве.

Tricia Cline

Триша Кляйн родом из Калифорнии, и её работы очевидно тяготеют к поп-арту, который до сих пор имеет большую школу на Западном побережье США. Скульптор нигде не училась и начала делать скульптуры самостоятельно, ориентируясь на классические образцы. Привычные изображения людей и животных удивляют цветовыми решениями, эротическими мотивами и полусказочными сюжетами: антропоморфные животные и сюрреалистические композиции из полуобнаженных девушек и диких зверей отсылают к сказкам Гримм и древнегреческим мифам.

Misako Inaoka

Мисако Инаока родилась в Японии, училась на дизайнера в Риме, а теперь живёт и работает в Сан-Франциско. «Мне интересно изучать границы между естественным и искусственно созданным. Я внимательно изучаю окружающую среду, пытаясь отыскать спрятанную красоту, а затем воссоздаю её в своих скульптурах.» Её скульптуры — это несколько природных мотивов от разных организмов, произвольно соединенные в пределах одного фантастического существа: для многих из своих скульптур Мисако самостоятельно ищет растения, ракушки или ветки.

Myeongbeom Kim

Мьйонгбеом Ким, скульптор из Южной Кореи, — яркий представитель сюрреализма в современном искусстве. В своих работах Ким самым неожиданным образом объединяет элементы живой природы и вещи, созданные руками человека: в его работах чувствуется влияние Дали и Магритта с их тягой соединить будничное и фантастическое.

Jim Lambie

Шотландский художник Джим Лэмби, работающий с оптическими иллюзиями, в 2005 году вошёл в шорт-лист престижной британской Премии Тернера со своей инсталляцией «Психическая устрица». В свободное время от занятий искусством, Джим занимается музыкой и играет как диджей. Музыкальное влияние ощущается и в его работе: Лэмби часто создает цветные скульптурные инсталляции из объектов поп-культуры — клубных постеров и обложек дисков.

Gerda Steiner & Jorg Lezinger


Герда Штайнер и Йорг Лезингер — успешные и всемирно признанные швейцарские художники. Их масштабные работы впечатляют зрителей в первую очередь мастерством увлечь и создать атмосферное фантазийное пространство, так не похожее на то, что обычно приходится видеть вокруг себя. Инсталляции швейцарцев занимаются комнаты и целые залы, сочетая в себе скульптуру, графический дизайн, интерьерный декор и ассамбляж.

Венская классическая школа (стр. 1 из 3)

1. Венская классическая школа как художественное направление

в музыкальной культуре XVIII– начала XIXвека 4

1.1. Особенности стиля венской классической школы 4

1.2. Музыкальные жанры 7

2. Ф.Й. Гайдн – основоположник венской классической школы 10

3. Музыкальный гений – В.А. Моцарт 12

4. Творческий путь Л. ван Бетховена 16

Список использованной литературы 20

На протяжении XVIIIвека в ряде стран (Италии, Германии, Австрии, Франции и др.) происходили процессы формирования новых жанров и форм инструментальной музыки, окончательно сложившихся и достигших своей вершины в так называемой «венской классической школе».

Венская классическая школа, органически впитавшая в себя передовые достижения национальных музыкальных культур, сама была явлением глубоко национальным, коренилась в демократической культуре австрийского народа. Представителями данного художественного направления были Й. Гайдн, В.А. Моцарт, Л. ван Бетховен. Каждый из них являлся яркой индивидуальностью. Так, стиль Гайдна отличало светлое мировосприятие, ведущая роль жанрово-бытовых элементов. Для стиля Моцарта более характерным было лирико-драматическое начало. Стиль Бетховена – воплощение героического пафоса борьбы. Однако наряду с отличиями, обусловившими неповторимость индивидуальности каждого из этих композиторов, их объединяют реализм, жизнеутверждающее начало и демократичность.

Искусство венских классиков внесло в мировую музыкальную культуру мощную реалистическую и демократическую струю, основанную на богатствах народного творчества, и потому оно сохранило для нас всю свою ценность и художественную значимость.

1. Венская классическая школа как художественное направление в музыкальной культуре XVIII – начала XIX века

1.1. Особенности стиля венской классической школы

Художественный стиль классицизм (от лат. classicus – «образцовый») возник в XVII веке во Франции. Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими, непревзойдёнными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы. Классицизм во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью, утверждая свои принципы в разных видах искусства, в том числе и в музыке.

Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена, работавших преимущественно в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре второй половины XVIII – начала XIX столетия – венскую классическую школу.

Деятельность композиторов венской классической школы была подготовлена художественным опытом их предшественников и современников, включая итальянскую и французскую оперу и инструментальную культуру, достижения немецкой музыки. Огромную роль в становлении венской классической школы сыграли музыкальный быт Вены – крупнейшего музыкального центра, музыкальный фольклор многонациональной Австрии. Искусство венских классиков тесно связано с общим подъёмом австро-немецкой культуры, с просветительством, отразившим гуманистические идеалы третьего сословия в преддверии Великой французской революции. Творческие идеи венских классиков тесно соприкасаются со взглядами Г.Э. Лессинга, И.Г. Гердера, И.В. Гёте, Ф. Шиллера, И. Канта, Г. Гегеля, с некоторыми положениями французских энциклопедистов.

Цукерберг рекомендует:  Ввод - Создание блок-схем с зеркальными формами вводавывода

Для искусства представителей венской классической школы характерны универсальность художественного мышления, логичность, ясность художественной формы. В их сочинениях органично сочетаются чувства и интеллект, трагическое и комическое, точный расчёт и естественность, непринуждённость высказывания.


В творчестве венских классиков выражено динамическое понимание жизненных процессов, нашедшее наиболее полное воплощение в сонатной форме и обусловившее симфонизм многих их сочинений. С симфонизмом, в широком смысле, связаны расцвет ведущих инструментальных жанров эпохи – симфонии, сонаты, концерта и камерного ансамбля, окончательное формирование 4-хчастного сонатно-симфонического цикла.

Музыка композиторов венской классической школы – новый этап в развитии музыкального мышления; для их музыкального языка характерны строгая упорядоченность, централизованность в сочетании с внутренним разнообразием, богатством. В их творчестве формируются классические типы музыкальных структур – период, предложение и др.

Расцвет венской классической школы совпал с общим процессом становления симфонического оркестра – его стабильного состава, функциональной определённости оркестровых групп. Сложились главные классические типы камерных ансамблей – фортепианное трио, струнный квартет и др. Из музыки для сольных инструментов особенно выделилась фортепианная. Оперное творчество Моцарта открыло широкие перспективы развития различных типов оперы – лирической и социально-обличительной комедии, музыкальной драмы, философской оперы-сказки и др.

Каждый из мастеров венской классической школы обладал неповторимой индивидуальностью. Гайдну и Бетховену наиболее близкой оказалась сфера инструментальной музыки, Моцарт в равной мере проявил себя и в оперном, и в инструментальных жанрах. Гайдн больше тяготел к объективным народно-жанровым образам, юмору, шутке, Бетховен – к героике, Моцарт, будучи универсальным художником – к разнообразным оттенкам лирического переживания.

Творчество композиторов венской классической школы, принадлежащее к вершинам мировой художественной культуры, оказало огромное влияние на дальнейшее развитие музыки.

1.2. Музыкальные жанры

Как уже отмечалось выше, в творчестве композиторов венской школы многие музыкальные жанры получили свой классический облик. В данном разделе нашего реферата рассмотрим наиболее значительные из них.

Наиболее сложная форма инструментальной музыки – симфония (греч. «созвучие»). Она рассчитана на исполнение симфоническим оркестром. Возможности этого жанра велики: он позволяет выразить музыкальными средствами философские и нравственные идеи, рассказать о чувствах и переживаниях. Сформировался жанр в середине XVIII столетия в творчестве представителей венской классической школы. Композиторы разработали сонатно-симфонический цикл из четырёх частей, которые различаются характером музыки, темпом и приёмами развития темы. Первая часть, построенная в сонатной форме и обычно исполняемая в быстром темпе, наполнена драматическим содержанием. Иногда ей предшествует медленное вступление. Вторая часть медленная, созерцательная; это лирический центр композиции. Третья – контрастна по отношению ко второй: подвижная, живая музыка носит либо танцевальный, либо шутливый характер. До начала XIX в. композиторы использовали форму менуэта (фр. menuet, от menu – «маленький, мелкий»), распространённого салонного танца XVIII столетия. Позднее менуэт был заменён скерцо (от итал. scherzo – «шутка») — так назывались небольшие вокальные или инструментальные произведения, быстрые по темпу и шутливые по содержанию. Четвёртая, обычно быстрая, часть – финал симфонии; здесь подводятся итоги развития тем и образов произведения.

Композиторы венской школы придали симфонии необычайную гибкость и способность воплощать в обобщённой форме разнообразные стороны человеческого бытия. Ими созданы различные типы симфонизма – народно-жанровый, лирико-драматический, героико-драматический, которые впоследствии были развиты и обогащены композиторами-романтиками.

Одна из самых сложных и богатых по содержанию музыкальных форм, сонатная, начала складываться в первой половине XVIII в. и окончательный вид обрела во второй половине столетия в произведениях композиторов венской классической школы. Сонатная форма – это принцип изложения музыкального материала. Он предполагает не механическое чередование частей и разделов, а взаимодействие тем и художественных образов. Темы – главная и побочная – либо противопоставляются друг другу, либо дополняют одна другую. Развитие тем проходит три этапа – экспозицию, разработку и репризу. Темы возникают в экспозиции (от лат. expositio– «изложение, показ»). Главная звучит в основной тональности, которая и определяет наименование тональности всего сочинения (например Симфония до мажор). Побочная обычно излагается в иной тональности – между темами возникает контраст. В разработке происходит дальнейшее развитие тем. Они могут вступать в острое взаимное противоречие. Иногда одна подавляет другую или, наоборот, уходит в тень, оставляя «сопернице» полную свободу действий. Обе темы могут предстать в ином освещении, например, будут исполнены другим составом инструментов, или резко поменяют характер. В репризе (фр. reprise, от reprendre – «возобновлять, повторять») темы на первый взгляд возвращаются в начальное состояние. Однако побочная звучит уже в основной тональности, таким образом приходя к единству с главной. Реприза – итог сложного пути, к которому темы приходят обогащённые опытом экспозиции и разработки. Итоги развития иногда закрепляют в дополнительном разделе – коде (от итал. coda – «хвост»), однако она необязательна. Используют сонатную форму обычно в первой части сонаты и симфонии, а также (с небольшими изменениями) во второй части и в финале.

Один из основных жанров инструментальной музыки — соната (итал. sonata, от sonare – «звучать»). Это многочастное (обычно из трёх или четырёх частей) произведение; у композиторов второй половины XIX — начала XX в. есть и одночастные сочинения. В творчестве мастеров венской классической школы соната, так же как и симфония, достигла расцвета. В отличие от симфонии соната предназначена либо для одного инструмента (как правило, фортепиано), либо для двух (один из которых фортепиано). Первая часть произведений такого жанра пишется в сонатной форме. Здесь обозначаются основные музыкальные темы произведения. Вторая часть, обычно спокойная, медленная, составляет резкий контраст с первой. Третья – финал, исполняемый в быстром темпе. Он подводит итоги и окончательно определяет общий характер произведения.

Скульптура Древней Греции: фото

Искусство Древней Греции стало той опорой и основой, на которой выросла вся европейская цивилизация. Скульптура Древней Греции — тема особая. Без античной скульптуры не было бы блестящих шедевров Возрождения, да и дальнейшее развитие этого искусства трудно себе представить. В истории развития греческой античной скульптуры можно выделить три больших этапа: архаический, классический и эллинистический. В каждом есть нечто важное и особенное. Рассмотрим каждый из них.

Архаика

К этому периоду относятся скульптуры, созданные в период с 7 века до нашей эры до начала 5 века до нашей эры. Эпоха подарила нам фигуры обнаженных воинов-юношей (куросы), а также множество женских фигур в одежде (коры). Для архаических скульптур характерна некоторая схематичность, непропорциональность. С другой стороны, каждая работа скульптора притягательна своей простотой и сдержанной эмоциональностью. Для фигур этой эпохи характерна полуулыбка, придающая работам некоторую загадочность и глубину.

«Богиня с гранатом», которая хранится в Берлинском государственном музее, одна из наиболее сохранившихся архаических скульптур. При внешней грубоватости и «неправильных» пропорциях, внимание зрителя привлекают руки скульптуры, выполненные автором блестяще. Выразительный жест скульптуры делает ее динамичной и особенно выразительной.

«Курос из Пирея», украшающий коллекцию Афинского музея, представляет собой позднее, а значит более совершенное произведение древнего скульптора. Перед зрителем мощный молодой воин. Легкий наклон головы и жесты рук говорят о мирной беседе, которую ведет герой. Нарушенные пропорции уже не так бросаются в глаза. А черты лица не так обобщены, как у ранних скульптур архаического периода.

Классика

Скульптуры именно этой эпохи большинство ассоциирует с античным пластическим искусством.


В эпоху классики были созданы такие известные скульптуры, как Афина Парфенос, Зевс Олимпийский, Дискобол, Дорифор и многие другие. История сохранила для потомков имена выдающихся скульпторов эпохи: Поликлет, Фидий, Мирон, Скопас, Пракситель и многие другие.

Шедевры классической Греции отличаются гармонией, идеальными пропорциями (что говорит об отличных знаниях анатомии человека), а также внутренним содержанием и динамикой.

Именно классический период характерен появлением первых обнаженных женских фигур (Раненая Амазонка, Афродита Книдская), которые дают представление об идеале женской красоты расцвета античности.

Эллинизм

Поздняя греческая античность характеризуется сильным восточным влиянием на все искусство в целом и на скульптуру в частности. Появляются сложные ракурсы, изысканные драпировки, многочисленные детали.

В спокойствие и величественность классики проникает восточная эмоциональность и темперамент.

Афродита Киренская, украшающая римский музей Терм, полна чувственности, даже некоторого кокетства.

Композиторы венской классической школы

Венская классическая школа была основана в Австрии в конце 18 – начале 19 в. С ней связаны три великих композитора – Гайдн, Бетховен и Моцарт, каждый из которых обладал яркой творческой индивидуальностью.

Музыку Гайдна отличает светлое радостное настроение, Моцарта – лирико-драматическое. Бетховен предпочитал героический пафос борьбы, преодоления, победы, был большим поклонником инструментальной музыки. Многие годы работал над созданием единственной оперы «Фиделио».

Гайдн пробовал себя в разных жанрах, но наибольшего успеха достиг в области инструментальной музыки и оратории («Сотворение мира», «Времена года»).

Моцарту была близка опера.

При всей индивидуальности каждого композитора обнаруживаются их общие черты: реализм, оптимистический, жизнеутверждающий характер, подлинная народность, демократизм. В их сочинениях гармонически сочетается трагическое начало с комическим, свободный полёт фантазии – с точным расчётом, ясностью, совершенством формы. Даже самое сложное содержание они выражали простым, понятным языком.

В это время переживает свой расцвет и немецкая поэзия. Лучшие мыслители и художники той эпохи выдвигают новые гуманистические идеалы. Многие из этих идеалов нашли воплощение в творчестве композиторов Венской классической школы.

Моцарт часто посещал Италию для изучения итальянской инструментальной музыки. Так как население Австрии было многонациональным, то в состав школы входили не только австрийские немцы, но и венгры, чехи, словенцы, обладавшие самобытной народной культурой. Гайдн впитывал эти элементы народного искусства и позже отобразил их в своих сочинениях. Моцарт реже использовал народные мелодии, но их дух и характер нередко мы можем увидеть в операх («Волшебная флейта», «Дон Жуан»). Наибольший интерес к народному творчеству питал Бетховен.

Композиторами был выработан универсальный язык мирового музыкального искусства. Гайдн писал: «Мой язык понятен во всём мире», ему была свойственна простота, ясность и выразительность. Композиторы Венской классической школы, опираясь на богатство народно-песенного искусства, пришли к пониманию новой мелодики. Облик этой новой мелодики приобретает «лицо» сочинения.

Основной формой для Венской классической школы является сонатное allegro. Развитие инструментальной музыки в творчестве композиторов тесно связано с развитием инструментария исполнительных ансамблей и объединений. Таким объединением был симфонический оркестр, сформировавшийся во второй половине 18 века. Ни один инструмент, который входил в симфонический оркестр, не был новым – изменились только его функции.

В области оперы были задействованы значительные достижения Моцарта и Бетховена. Три значительнейших оперы Моцарта – «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан» и «Волшебная флейта» – положили основы для развития различных типов классической оперы. Развитие жанра оратории Гайдна «Сотворение мира» и «Времена года» увенчало его творчество.

Наследие композиторов «Венской тройки» составляет одну из вершин мирового музыкального искусства. Оно оказало огромное влияние на всё последующее развитие классической музыки. Сочинения композиторов Венской классической школы до сих пор остаются непревзойдённым образцом.

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Все языки программирования для начинающих